These Circumstances

(né en 1938 en Belgique, vit et travaille à Tielt) travaille la sculpture, le dessin et la peinture pour explorer la ligne, la forme et la couleur. Sa pratique artistique, en relation constante avec l’architecture, est une invitation à observer de près. Il réduit la peinture à son essence en l’appliquant de manière monochromatique sur une surface plane. Ses panneaux en bois posés à même le sol, dont les couleurs uniques résultent d’un mélange intuitif, de craie et de pigment, fonctionnent comme un miroir négatif du monde, créant ainsi deux rectangles éthérés. Ses œuvres sur papier, partiellement recouvertes de couleur pastel, sont intercalées entre les colonnes de béton brut de l’espace de la Fondation CAB. Une ligne nette relie les deux champs de couleur, divisant la page en deux. Le papier est fixé au mur uniquement par le haut, ce qui lui permet de s’enrouler légèrement vers l’extérieur, créant ainsi une tension entre ces différentes surfaces. De Sauter poursuit cette série en utilisant des plaques de laiton et de cuivre partiellement laquées et poncées afin d’étudier leurs propriétés réfléchissantes. Par sa recherche esthétique, il équilibre simplicité formelle et profondeur théorique. Son approche minimaliste permet à la matière, à la lumière, au silence et à la couleur d’interagir et de se révéler continuellement.

(n.1973, Louvain, Belgique, vit et travaille à Bruxelles) nous propose d’expérimenter comment nous percevons la lumière, l’espace et les couleurs. Son œuvre miroir, exposée dans la cour, nous questionne sur notre perception et multiplie les points de vue. Il est plus difficile de voir le miroir plutôt que le reflet toujours changeant de la lumière qui s’y reflète. L’œuvre RGB est composée de grandes plaques lourdes de plexiglas rouge, vert et bleu non traitées, superposées qui se courbent et déforment ainsi le reflet du spectateur. Billet analyse la corrélation entre la réalité numérique objective et mesurable des monochromes et leur perception et appréciation subjective. Son travail est une réflexion sur l’impossibilité́d’objectiver les processus de perception sensorielle.

Le travail de l’artiste néerlandaise Manon de Boer (née en 1966 à Kodaikanal, Inde, vit et travaille à Bruxelles) oscille entre distance et intimité. Ses vidéos évoquent l’expérience du temps et ce que nous en faisons. The Untroubled Mind, 2016, s’intéresse à l’ennui et aux loisirs. Dans ce film muet, elle a capturé, sur une période de trois ans, les interventions inattendues de son fils au fur et à mesure qu’elle les découvrait dans sa maison. Des objets attachés, empilés, réutilisés, reliés entre eux, étalés, souvent quelque peu cachés, ont été capturés par une caméra Bolex 16 mm amateur qui définit des plans de 20 secondes, soit la durée la plus longue qu’il est possible de filmer en remontant la caméra manuellement. Un film de sculptures, traces du temps passé à jouer.

Le travail de Céline Mathieu (Belgique 1989, vit et travaille à Berlin et Bruxelles) est à la fois sensoriel et conceptuel. Sa pratique est influencée par le site et le contexte dans lesquels elle est invitée à exposer incorporant des composants textuels pour activer l’expérience globale. A travers son installation in situ, elle se penche sur l’histoire du bâtiment de la Fondation CAB, qui fut d’abord un entrepôt de charbon, puis un lieu de répétition de danse avant de devenir l’espace d’exposition qu’il est aujourd’hui. Le petit-déjeuner d’un mineur consistait en un œuf cru cassé dans une bière, accompagné d’un verre de whisky. La fausse nourriture a été fabriquée en échangeant les talents de sculpteur d’autres artistes contre les talents d’écrivain de Céline. Des images trouvées d’un examen de ballet montrent des ballerines se pressant pour prendre des poses, avant de livrer une performance synchronisée. Une pancarte en plexiglas peinte à la main reprend une citation trouvée, sur des fruits qui ne peuvent pas être mangés. La porte du storage de l’espace d’exposition est laissée ouverte, comme une partie (sculpturale) de l’installation.

(né en 1935 à Malines – décédé en 2003 à Anvers) est une figure majeure de l’avant-garde belge. Son œuvre combine des éléments de peinture, de sculpture, de photographie, d’œuvres sur papier et de performance. Son art, avec son langage visuel efficace et expérimental, met l’accent sur l’importance de la couleur, de la texture et de l’expérience spatiale. Entre 1960 et 1967, Mees a produit un ensemble d’œuvres réalisées avec de la dentelle fabriquée industriellement et des néons, dans diverses compositions plates et tridimensionnelles, intitulé Lost space (Espace perdu). En 1983, il a réutilisé le titre Lost Space dans ses variations in situ faites de papier de soie coloré, de feuilles de métal ou de bandes de papier fragile épinglées directement au mur. Certains de ces espaces picturaux déconstruits ressemblent à des peintures en deux dimensions, tandis que d’autres bribes semblent flotter librement sur le mur. Pour compléter l’ensemble, quatre éléments en aluminium poli sont adossés à un mur et forment un motif symétrique et répétitif.

(née en 1979 en Italie, vit et travaille à Cologne) se penche sur la nature fondamentale de la lumière elle-même. S’infiltrant dans l’espace, elle utilise différents médias, abordant l’essence même de la lumière comme un moyen de créer des images. Son travail est imprégné de légèreté dans tous les sens du terme : mousse en apesanteur, faisceaux de lumière et sensibilité. Dans son œuvre Orosei I, 2022, le faisceau est interrompu lorsqu’il est capturé par un bloc de mousse avant d’atteindre le mur. À l’entrée, Blue/7, 2023, des néons illuminent le visage du spectateur, ils sont alignés sur un fond bleu suggérant un coin de ciel ou une lucarne dans le mur. Tout en reliant les différentes sphères de l’espace aux visiteurs, Monkiewitsch encourage non seulement une réflexion sur la nature des médias, mais entreprend également un examen méticuleux du fossé perpétuel entre l’imagerie et la réalité.