ALENTOUR

En plus de son rôle de commissaire pour l’exposition « Alentour », John Armleder y contribue, avec deux oeuvres de la série iconique « Furniture Sculptures ». Artiste emblématique et iconoclaste, ses productions associent des peintures acryliques abstraites à du design, ici, avec un canapé de Ubald Klug & Ueli Berger et un buffet de Barber & Osgerby. Ses oeuvres créent des ponts entre la notion de « bon goût », la question de la banalisation de l’objet d’art en tant que marchandise interchangeable et la réflexion sur l’histoire de l’art. S’associant à l’ensemble de sa pratique diversifiée et profondément enracinée dans le mouvement Fluxus*, l’interprétation ultime de ses oeuvres, réside dans le regard et l’imagination du spectateur

En plus de son rôle de commissaire pour l’exposition « Alentour », John Armleder y contribue, avec deux oeuvres de la série iconique « Furniture Sculptures ». Artiste emblématique et iconoclaste, ses productions associent des peintures acryliques abstraites à du design, ici, avec un canapé de Ubald Klug & Ueli Berger et un buffet de Barber & Osgerby. Ses oeuvres créent des ponts entre la notion de « bon goût », la question de la banalisation de l’objet d’art en tant que marchandise interchangeable et la réflexion sur l’histoire de l’art. S’associant à l’ensemble de sa pratique diversifiée et profondément enracinée dans le mouvement Fluxus*, l’interprétation ultime de ses oeuvres, réside dans le regard et l’imagination du spectateur.

Les toiles de Stéphane Kropf se concentrent principalement sur la vue et la perception. Elles dirigent notre regard à travers des motifs elliptiques et rectangulaires, nous immergent dans des couleurs diffuses et dégradées, tout en laissant des découpes ouvertes faites de blancs subtils. Kropf travaille principalement avec des cyanotypes sur coton et des pigments interférentiels – qui, en fonction du point central à partir duquel le travail est observé, reflètent simultanément des couleurs individuelles et des teintes complémentaires. Ces vibrations optiques et ces compositions floues défient toute focalisation hiérarchique dans la composition, rendant sa photographie et sa documentation extrêmement difficiles.

Mai-Thu Perret crée une pratique multidisciplinaire qui s’inspire de la politique féministe, des textes littéraires et de l’artisanat. Son travail renvoie à son récit « The Crystal Frontier » cette chronique en cours suit les progrès d’un groupe de femmes qui forme une communauté autonome dans le désert reculé du sud-ouest du Nouveau-Mexique dans le but d’échapper aux chaînes du capitalisme et des conventions patriarcales. Ses oeuvres, tels que ses reliefs muraux en céramique, apparaissent comme des reliques produites par ses protagonistes et allient des pratiques traditionnelles, artisanales et spirituelles à une esthétique postmoderne. Cette fiction en constante extension explore le fonctionnement des personnalités et des objets dans les systèmes culturels et sociaux qu’ils habitent, la nature de l’utopie et le pouvoir décisif de la révolution et du rituel.

L’art d’Olivier Mosset est direct et évident, supprimant la figuration, la subjectivité, les symboles et les métaphores dans une pratique en quête de rigueur formelle et d’origines physiques de la peinture. Membre du collectif minimaliste BMPT, auquel ont également participé Daniel Buren, Michel Parmentier et Niele Toroni. Les artistes suppriment la subjectivité et l’expressivité en faveur d’un système pratique, tels que l’utilisation de modèles neutres et répétitifs et l’évitement apparent des fondements esthétiques et historiques. Mosset a réalisé plus de deux cents peintures à l’huile identiques entre 1966 et 1974, représentant un cercle noir au centre d’une toile blanche carrée. Associées à une abstraction conceptuelle, les oeuvres de Mosset représentent la couleur et la forme pure, incitant à l’expérience physique ouverte de la surface, de l’échelle et du motif.

Faisant suite aux diverses formes d’abstraction induites par l’histoire de l’art (Op Art, art concret, minimalisme), Christian Floquet a commencé sa pratique en Suisse dans les années 80, avec une motivation inébranlable à créer de nouvelles formes et à revisiter les traditions avec une fraîcheur contemporaine. La simplicité, l’obsession pour la figure géométrique et le fond, leur lutte créée par l’illusion optique du rabattement des plans font partie constante de son travail. À travers ses motifs géométriques audacieux et ses couleurs binaires sur des toiles à l’échelle monumentale, il tente de faire participer ses spectateurs. Il leur demande de se concentrer sur l’expérience de l’observation, les incitants à être dans l’ici et maintenant.

Philippe Decrauzat exploite le champ de l’abstraction avec l’ambition de pousser la perception au-delà des limites de l’image pour opérer une présence spatiale dans ses peintures et ses vidéos. Sa multitude de lignes infinies courent dans un mouvement synchronisé, se chevauchent ou s’entrelacent et apparaissent comme des vagues en mouvement, l’effet est accentué par le dégradé de couleurs dans lequel elles apparaissent. Decrauzat associe l’héritage de l’art conceptuel aux outils formalistes de l’op art pour manipuler les relations entre ses oeuvres, les espaces dans lesquels elles se situent, ainsi que le mouvement et la perception du spectateur.

Le film prend comme point de départ un ornement architectural, un polyèdre à 24 faces qui se trouve sur la tombe d’André Breton. Après avoir été reproduit, la réplique de cette Stella Octangula est filmée à l’aide d’une caméra 16mm en noir blanc capturant 24 images par seconde. Les contours et les plans de ce volume structurent et décomposent l’image tout en faisant écho au rythme de la vidéo. Cette oeuvre évoque des histoires d’objets mathématiques, des solides de Platon au Cube de Giacometti en passant par la Melencolia de Dürer.

Comme l’illustre parfaitement le travail d’Elaine Lustig Cohen (1927-2016), sa carrière en tant que graphiste à New-York a fortement influencé l’artiste. Dans les années 60, on observe une tendance mondiale à l’expérimentation des formes et des couleurs abstraites intrinsèquement liées au développement du graphisme. “Ma vie d’artiste a été façonnée par deux passions : le graphisme créé dans la sphère publique, d’une part, et l’exploration d’une vision privée connexe en peinture, de l’autre ».

Sylvie Fleury se réapproprie des biens de consommation pour questionner les sentiers obsédant de la séduction, de la satisfaction temporaire et des désirs renaissants qui font tourner notre société néolibérale. Le slogan «Yes To All», qui déploie un langage visuel élégant et attrayant pour séduire ses spectateurs, fait régulièrement surface dans son travail. Jouant avec la façon dont son public est saturé et conditionné par cette iconographie consumériste, sa série de boîtes de maquillage rappelle l’aspect et l’esthétique des grandes marques de mode et de cosmétiques.

Blair Thurman entretient une réflexion sur la saturation de notre culture par les médias et la représentation. Il explore la corrélation entre représentation et abstraction, en empruntant au pop art et au minimalisme et en les combinant avec des éléments issus du divertissement et de la culture pop américaine des années 70. Fasciné par les images qui ont bercé son enfance américaine, il crée des formes standardisées tirées de course automobiles, de jeux de voitures et de figures trouvées dans la vie de tous les jours. Il les traduit par des formes normalisées et vaguement reconnaissables, et joue avec des jeux de mots dans ses titres. Oeuvrant à rendre cette géométrie abstraite plus accessible, Thurman explore l’intersection entre notre environnement culturel et nos fantasmes imaginaires, en examinant la mémoire et la poésie enchâssées dans l’acte même de regarder.

Poul Gernes était un peintre, sculpteur et performeur. Reconnu pour son utilisation audacieuse des couleurs et des formes géométriques, son style incroyablement graphique utilise également des objets et des matériaux de tous les jours. Célébrant un retour aux arts décoratifs, ses oeuvres témoignent de la conviction profonde que l’art s’adresse à tous. En réalisant de nombreuses oeuvres monumentales dans l’espace public, il a amplement expérimenté l’idée d’inciter ses spectateurs à jeter un nouveau regard sur leurs réalités environnantes. Il a décoré les intérieurs et les extérieurs d’édifices avec des couleurs éclatantes qui se confondent dans le décor de telle sorte qu’elles deviennent presque diffuses et imprègnent la vie publique quotidienne d’une expérience esthétique inattendue. 

Le travail de l’artiste britannique Ralph Rumney souligne la critique sociétale de l’Internationale Situationniste. Ce groupe d’artistes avant-gardistes, activistes et intellectuels, a soutenu aux côtés de Guy Debord, ses croyances aux théories marxistes qui envisagent l’accélération du capitalisme comme déclencheur d’un dysfonctionnement social. Les conditions de création artistique étaient les suivantes: être politique, être engagé dans son environnement (en utilisant des graffitis, ou des performances). Les peintures de Rumney reflètent un intérêt pour le processus de marquage plutôt que pour la production d’une oeuvre d’art achevée. Le bouddhisme zen et l’inconscient collectif tel que théorisés par Carl Jung et prétendu au-delà de l’ego étaient au centre de son travail, visant à favoriser un dialogue entre le conscient et le subconscient, entre le spirituel et le matériel.

Domenico Battista, a fait ses débuts au Venezuela dans les années 70 autour du mouvement de l’Art Optique qui transforme la perception des espaces et de leurs usages. Ses toiles sont empreintes de vibrations, de rythmes et d’énergie. Peintre suisse d’origine italienne, sa pratique a été fortement influencée par des couleurs vives et audacieuses typiques du modernisme sud-américain. Les motifs répétitifs et les contrastes chromatiques de Battista ont un effet sur nous de distorsion visuelle, recouvrant la réalité d’un filtre optique momentané.

Fabrice Gygi, par le biais de ses structures principalement composées de bâches, d’acier et de bois analyse la manière dont les autorités dirigent et influencent nos mouvements en imposant des éléments spatiaux dans l’espace public. Ces reconstitutions de barrières, tribunes et autres types de mobilier urbain aux formes répétitives et abstraites semblent harmonieux et nécessaires, mais représentent en réalité la violence sourde et la menace de paysages urbains qui nous entourent. Peintes d’un seul trait en couches superposées, ses aquarelles composées de traits horizontaux et verticaux rejettent la courbe et reprennent les mêmes règles formelles que ces sculptures. Ce déclinant dans une gamme de six couleurs, elles témoignent d’une extrême rigueur d’exécution et du besoin de l’artiste à trouver un accord entre la concentration et la tension.